Especialidad de Guitarra

Artes y Habilidades Manuales

Requisitos

  1. ¿Investigar sobre la historia de la guitarra y cómo llegó a tu país?

    Respuesta: La guitarra desciende de antiguos instrumentos de cuerdas pulsadas, como el laúd árabe, la vihuela y la guitarra latina de la España medieval. Su forma moderna fue estandarizada en el siglo XIX por el luthier español Antonio de Torres Jurado, que fijó el tamaño del cuerpo y el sistema de varetaje interno que da el sonido actual. A Brasil, la guitarra llegó traída por los colonizadores portugueses (que tenían la viola y la guitarra), popularizándose a lo largo de los siglos XIX y XX, convirtiéndose en instrumento central de géneros como el choro, la samba, la serenata, la bossa nova y la música sertaneja, además de ser muy usada en los cultos y en la música cristiana. — Antonio de Torres (1817-1892) es considerado el padre de la guitarra moderna: los instrumentos anteriores eran más pequeños y con un sonido más débil. En Brasil, la guitarra fue marginada en el siglo XIX (asociada a la picardía callejera) y elevada a un estatus noble por el virtuoso Heitor Villa-Lobos en el siglo XX, con obras eruditas reconocidas mundialmente como referencia clásica.

  2. Conocer las diferencias entre melodía, armonía y ritmo.

    Respuesta: Debes presentar al instructor que: la melodía es una secuencia horizontal de notas musicales que forma una frase o línea (la 'voz principal' de la canción); la armonía es la combinación simultánea (vertical) de varias notas que forman acordes que dan soporte y color a la melodía; el ritmo es la organización del tiempo en la música, con tiempos fuertes y débiles (compás, pulso, golpe). — La melodía es lo que se canta, la armonía es lo que la guitarra acompaña (acordes), el ritmo es el golpe (palma, bombo). La música popular usa mucho los acordes armónicos mientras la voz canta la melodía. El ritmo da personalidad al género: la samba, el rock y la bossa nova tienen ritmos distintos con la misma armonía posible.

  3. Diferenciar 3 tipos de guitarra, según cada grupo a continuación:
    • Acústicos
    • Eléctricos
    • Más de 6 cuerdas

    Respuesta: 1) Acústicas: producen sonido sin amplificación eléctrica, por la vibración de las cuerdas en la caja de resonancia. Tres tipos: clásica (cuerdas de nailon, muy usada en Brasil y en la música erudita), folk/acero (cuerdas de acero, sonido más brillante, usada en country y MPB) y flamenca (cuerpo más bajo y sonido percusivo). 2) Eléctricas: necesitan amplificador, pues las pastillas transforman la vibración de las cuerdas en señal eléctrica. Tres tipos: Stratocaster (Fender, pastillas single-coil), Les Paul (Gibson, pastillas humbucker, sonido robusto) y Telecaster (modelo más antiguo de la línea Fender, usada en country y blues). 3) Más de 6 cuerdas: instrumentos con cuerdas adicionales para ampliar el alcance sonoro. Tres tipos: guitarra de 7 cuerdas (agrega una cuerda grave, tradicional en el choro y la samba brasileña), de 12 cuerdas (cuerdas en pares que duplican el sonido, dando un timbre robusto y brillante) y de 8 cuerdas (extiende aún más los graves y agudos, usada en estilos modernos). — La guitarra clásica tiene un encordado más ligero y una tapa de tonalidad más dulce, ideal para el punteado. La folk/acero tiene un cuerpo más grande y un sonido más fuerte, ideal para el escenario. La Stratocaster y la Les Paul son las dos eléctricas más populares del mundo. La de 12 cuerdas tiene cuerdas duplicadas al unísono o en octava, creando un efecto de coro propio.

  4. Conocer las 3 divisiones de la guitarra e identificar 15 partes diferentes, explicando la función de cada una.

    Respuesta: Las 3 divisiones de la guitarra son: Cabeza (extremo superior), Mástil (parte intermedia) y Cuerpo (caja de resonancia). Las 15 partes y sus funciones: 1) Cabeza/clavijero — sostiene las clavijas; 2) Clavijas — tensan o aflojan las cuerdas para afinar; 3) Cejuela (nut) — pieza con ranuras que guía las cuerdas en la parte superior del mástil y define su altura; 4) Mástil — donde se apoya la mano que presiona las cuerdas; 5) Diapasón — superficie de madera sobre el mástil donde se presionan las notas; 6) Trastes — barras metálicas que dividen el diapasón y definen cada nota/semitono; 7) Marcas (inlays) — puntos en el diapasón que orientan la posición de los trastes; 8) Cuerpo/caja de resonancia — amplifica y proyecta el sonido; 9) Tapa (frente) — cara superior de la caja, principal responsable de la vibración y el timbre; 10) Boca (roseta) — abertura central por donde sale el sonido; 11) Puente — fija las cuerdas al cuerpo y transmite la vibración a la tapa; 12) Hueso del puente — pieza sobre el puente que apoya las cuerdas y define la altura en la base; 13) Cuerdas — seis hilos (nailon o acero) que vibran y producen el sonido; 14) Aros (laterales/fajas) — partes laterales que unen la tapa y el fondo; 15) Fondo (espalda) — cara trasera de la caja que refleja el sonido. — Cada pieza contribuye a la sonoridad. La cabeza sujeta las clavijas que tensan las cuerdas. El mástil con trastes determina las notas al presionar el punto correcto. El cuerpo amplía el sonido por resonancia: una tapa de cedro/abeto vibra más que otros tipos. Los marcadores en los trastes 3, 5, 7, 9 y 12 son un estándar visual entre los fabricantes de todo el mundo.

  5. ¿Cuál es la postura correcta para la práctica de la guitarra? ¿Cuál es la importancia de mantener esa postura?

    Respuesta: Debes presentar al instructor la postura correcta: sentado en una silla recta, sin brazos, con la espalda erguida, con la guitarra apoyada en la pierna derecha (estilo popular) o en la izquierda elevada por un banquito (estilo clásico); el mástil de la guitarra inclinado hacia arriba unos 45 grados; el brazo izquierdo libre para moverse en el diapasón; el brazo derecho relajado sobre el cuerpo de la guitarra. — Una mala postura provoca tendinitis, lumbalgia y síndrome del túnel carpiano en los guitarristas profesionales. El estilo clásico con la pierna izquierda elevada por un banquito fue estandarizado por Andrés Segovia en el siglo XX y se enseña en conservatorios de todo el mundo. Tocar mucho tiempo con una postura incorrecta limita la carrera musical del instrumentista para siempre.

  6. Saber los nombres de los dedos, las cuerdas y la posición de las manos.

    Respuesta: Debes presentar al instructor: dedos de la mano izquierda — 1 (índice), 2 (medio), 3 (anular), 4 (meñique), pulgar (detrás del mástil); dedos de la mano derecha — p (pulgar), i (índice), m (medio), a (anular), e (meñique, raramente usado); cuerdas — 6ª (la más grave, Mi) hasta 1ª (la más aguda, Mi); afinación estándar E-A-D-G-B-E (Mi-La-Re-Sol-Si-Mi). — La nomenclatura de los dedos de la mano derecha viene del español: p=pulgar, i=índice, m=medio, a=anular. Las cuerdas se numeran del 1 al 6 empezando por la más aguda. La afinación Mi-La-Re-Sol-Si-Mi es estándar clásico desde el siglo XIX, aunque los guitarristas experimentan con afinaciones alternativas (open D, drop D, DADGAD) para estilos específicos como blues, fingerstyle o folk celta.

  7. ¿Qué son los cifrados y cómo se construyen? Escribir, de memoria, una lista que contenga todos los acordes mayores y menores y sus respectivos cifrados.

    Respuesta: Debes presentar al instructor que los cifrados son abreviaturas de acordes representadas por letras: C (Do), D (Re), E (Mi), F (Fa), G (Sol), A (La), B (Si). Los acordes mayores usan solo la letra (C, D, E, F, G, A, B); los acordes menores agregan una 'm' minúscula (Cm, Dm, Em, Fm, Gm, Am, Bm). — Los cifrados provienen del sistema estadounidense de notación simplificada, populares en el jazz de los años 1920. Más prácticos que el pentagrama para el uso en guitarra popular y MPB. En Brasil, la convención es la misma del inglés: A, B, C, D, E, F, G. Los songbooks brasileños usan cifrados desde los años 1950, y hoy sitios como Cifra Club consolidan el estándar nacional digital.

  8. ¿Qué son el bemol y el sostenido? ¿Cuál es la diferencia entre ellos y cómo se representan en el cifrado?

    Respuesta: Debes presentar al instructor que el sostenido (#) eleva la nota un semitono (medio tono) y el bemol (b) baja la nota un semitono; se representan en el cifrado justo después de la letra del acorde — C# (Do sostenido) está medio tono por encima de C; Db (Re bemol) está medio tono por debajo de D. Curiosamente, C# y Db suenan igual (mismo tono), se llaman notas enarmónicas: se elige una u otra según el contexto de la escala musical en uso. — Los 12 sonidos de la música occidental son: C, C#/Db, D, D#/Eb, E, F, F#/Gb, G, G#/Ab, A, A#/Bb, B. No existe E# ni B# en sostenidos prácticos, ni Cb ni Fb en bemoles. El nombre enarmónico depende de la tonalidad: en Mib mayor se usa Eb; en Re# mayor se usa D#. Esa elección respeta la teoría musical clásica desde hace siglos.

  9. Explicar qué son los acordes. Demostrar habilidad para ejecutar de memoria los acordes mayores y menores.

    Respuesta: Debes presentar al instructor que un acorde es la combinación simultánea de tres o más notas musicales, generalmente formado por la tónica (1ª), la tercera y la quinta de la escala, dando 'color armónico' a la música. Los acordes mayores suenan alegres (tercera mayor); los menores suenan tristes o melancólicos (tercera menor). — El acorde de Do mayor tiene las notas C-E-G (1ª, 3ª mayor, 5ª justa). Do menor tiene C-Eb-G (la tercera menor disminuye medio tono). Esa diferencia de medio tono cambia el carácter emocional de la música. Acordes simples como C, G, D, Em y Am cubren miles de canciones populares: casi todo el cancionero pop usa estas combinaciones desde hace décadas enteras.

  10. Definir la diferencia entre cuerdas de nailon y de acero y explicar tu preferencia por una de ellas.

    Respuesta: Debes presentar al instructor que las cuerdas de nailon son más suaves, tienen un sonido dulce y más grave, se usan en la guitarra clásica y el flamenco, y no lastiman tanto los dedos del principiante; las cuerdas de acero tienen un sonido brillante y metálico, más fuerte y resonante, se usan en la guitarra folk, country, blues y rock, y exigen más callo en los dedos. — Las cuerdas de acero se introdujeron a mediados del siglo XX en las guitarras folk estadounidenses (como Martin). El nailon sustituyó a la tripa animal en los años 1940, popularizado por Albert Augustine. El acero dura más y soporta mayor tensión, exigiendo una guitarra reforzada (con barra metálica en el mástil). Cambiar al tipo de cuerda equivocado puede dañar la guitarra permanentemente.

  11. Ejecutar una canción utilizando una técnica de rasgueado y otra utilizando un punteado.

    Respuesta: Debes presentar al instructor la ejecución de dos canciones en la guitarra: una usando técnica de rasgueado (rasgueado/strumming — deslizar los dedos o la púa sobre las cuerdas con el ritmo característico del género, como samba, bossa nova o himno congregacional) y otra con punteado (fingerpicking — tocar cuerdas individuales con los dedos de la mano derecha p-i-m-a, creando una línea de bajo y melodía/armonía simultáneamente, típico de baladas y música clásica). — El rasgueado usa púa (pick) o todos los dedos juntos, creando un sonido percusivo y dinámico. El punteado separa cada cuerda, creando una textura más delicada y detallada. Tom Jobim popularizó el punteado de la bossa nova en los años 1960. Los himnos congregacionales cristianos usan un rasgueado simple y estable, mientras que la música clásica privilegia una técnica de punteado refinada y variada.

  12. Seleccionar 3 canciones adventistas de cifrados sencillos y tocarlas en una reunión oficial del Club o unidad.

    Respuesta: Debes presentar al instructor el registro de 3 canciones adventistas de cifrados sencillos (por ejemplo: himnos del Cantor Cristão, Himnario Adventista del Séptimo Día, o canciones actuales de bandas como Quatro por Um, Voz da Verdade, Arautos do Rei) tocadas en vivo en una reunión oficial del Club o Unidad, con fotos o video de la presentación y el nombre de cada canción ejecutada. — El Himnario Adventista es el repertorio oficial y tiene más de 600 himnos, muchos con cifrados sencillos accesibles para principiantes. Cantar en un culto oficial del Club o de la Unidad conecta la habilidad técnica con la misión musical adventista. Las bandas adventistas modernas ofrecen un repertorio alternativo para los jóvenes, especialmente en festivales y campamentos regionales.